Généralement, les méthodes / DVD / livres pédagogiques permettent de travailler la technique (« Stick Control », « Agostini » etc.) ou d’apprendre un ou des styles de musique (l’excellent « Advanced Funk Study » par exemple), et je conseille vivement d’étudier ces méthodes.
Mais il existe une manière d’apprendre moins connue : étudier l’œuvre et les influences d’un batteur, apprendre à connaître ce batteur, sa manière de penser, de jouer et de créer.
Voici un exercice très simple que j’ai découvert grâce à l’auteur Austin Kleon et qui vous permettra de développer votre créativité.
J’accélère tout le temps ! Je tire le tempo vers l’arrière. Je ne parviens pas à garder la pulsation, je perds le rythme, je me laisse emporter facilement par les autres musiciens…
Ce genre de pensées vous a peut-être trituré l’esprit un jour ? Bienvenue au club dans ce cas !
Vous vous posez les bonnes questions !
Il est tout à fait normal de douter de notre capacité à pouvoir jouer de la musique en gardant une bonne qualité d’exécution. La stabilité du tempo étant certainement l’une des composantes les plus difficiles à acquérir mais aussi l’une des plus importantes lorsqu’on est un batteur !
Pour progresser dans la pratique d’une discipline, quelle qu’elle soit, et quel que soit votre niveau, il vous faudra inéluctablement vous retrousser les manches et vous dire : “ Maintenant, j’y vais” !
Le travail d’une technique, d’un rythme, d’une nouvelle vision de la musique, d’un nouveau style de musique ne peut aboutir si l’on n’y met pas du sien, de l’implication et de la bonne volonté.
Mais quelque fois, cette démarche peut se retourner contre nous. Au lieu de progresser, on régresse. Nous stagnons indéfiniment entre la frustration et l’incompréhension.
Et cela peut tuer notre motivation première. Un grand danger en somme si, comme moi, vous aimez une pratique et que vous voulez vous dépasser.
Répondons à quelques questions afin d’éviter les pièges qui jalonnent notre apprentissage !
Si on devait résumer la fonction d’un batteur au sein d’un groupe à une seule et unique composante, cela serait à n’en point douter : garder le tempo.
Jouer des rythmes complexes, des breaks véloces, orchestrer la musique avec maestria ne vous servira à rien si une unique composante n’est pas respectée : la stabilité de ce que vous jouez.
Un batteur qui ralentit ou accélère peut à lui seul massacrer le travail de tout un groupe, tant la stabilité du tempo prévaut sur tout le reste ! Un morceau au tempo erratique cassera le groove, l’engouement du public à danser, voire tout simplement à apprécier votre prestation.
Développer cette stabilité est un travail rigoureux et parfois ingrat. Cela peut prendre du temps et il vous faudra de la patience. Mais avec la bonne méthode, vous pourrez drastiquement réduire le temps nécessaire à cet accomplissement.
Placer son instrument correctement vous parait surement important. Et pourtant ! Si vous saviez le nombre de batteries que je vois lors de mes déplacements qui sont placées n’importe comment !
C’est simple : tout doit être accessible sans aucun effort. Il me semble pourtant que le bon sens voudrait que nous prenions le temps nécessaire pour trouver une position confortable dans laquelle rester plusieurs minutes, voir plusieurs heures, comme cela peut m’arriver lors de longues sessions de studios ou de répétitions.
En optimisant le placement de sa batterie, nous pouvons aussi gagner quelques centimètres entre chaque éléments, ce qui facilite grandement le jeu aux tempos plus rapides. Il est logique de penser qu’il est plus rapide de parcourir 30 cm entre deux toms avec nos bras plutôt que 90 cm dans le même laps de temps.
Je vous propose donc quelques points clefs sur lesquels réfléchir afin d’optimiser le placement des éléments de votre batterie.
Vous avez peut-être déjà entendu ce genre de commentaires humoristiques concernant l’indépendance à la batterie :
les batteurs ont 4 cerveaux !
Les batteurs sont des mutants capables de penser à plusieurs choses en même temps qui peuvent compter en 4, en 5 et en 9 simultanément tout en buvant leur café de la main restée libre.
Tout en jouant, les batteurs peuvent aussi avoir une conversation sans aucun problème tout en regardant un film et vous raconter l’histoire juste après.
Quelle est la part de vérité concernant la véritable capacité du batteur à jouer et entendre plusieurs couches rythmiques simultanément ?
J’entends souvent ce genre de choses lorsque des musiciens parlent de BONNE musique, de musique qui fonctionne, tout simplement :
Ces mecs-là sont des extra-terrestres.
Ils ont un truc en plus
Comment font-ils ? c’est inhumain
Je ne parle pas de technique d’instrument.
Certaines personnes ont un don naturel pour développer à l’extrême des capacités que d’autres ne pourront jamais espérer approcher (Chris Coleman par exemple).
Je parle simplement de faire de la bonne musique. Devinez quoi ? Ce n’est pas si compliqué, tout le monde peut le faire !
Souvent sous-estimée par la plupart d’entre nous, notre influence en tant que batteur sur la musique que nous jouons en groupe est pourtant colossale.
En prendre conscience est pour moi l’une des clefs de l’apprentissage de cet instrument. Comment faire pour travailler si l’on ne sait pas pourquoi nous le faisons ? Se donner un but de travail ciblé sur l’accomplissement artistique est tout aussi important que notre avancement technique.
Jouer des triples croches à du 120 à la noire c’est génial ! MAIS seulement si cela sert la musique! Et ce n’est franchement pas évident de prendre conscience de tout cela.
Sur quels critères se baser ?
Il y a 4 critères fondamentaux qui influencent l’ensemble de la musique d’un groupe :
Le doute, la méfiance, le manque de confiance, l’incertitude sont des plaies pour chacun d’entre nous.
Ils nous empêchent d’avancer dans la vie, nous bloquent dans l’achèvement de nos objectifs. Cela est vrai pour tout, y compris quand on joue de la batterie (ou tout autre instrument d’ailleurs).
La seule limite à nos réalisations de demain sera nos doutes d’aujourd’hui.
La chose primordiale qu’un batteur se doit de posséder et d’emmener partout avec lui, ce sont ses cymbales.
Le point commun à tous les batteurs que j’ai pu rencontrer dans le milieu professionnel est qu’ils transportaient toujours leurs cymbales avec eux .
Tous les setups de batteurs que j’ai rencontrés étaient différents, avaient leur propre sonorité, particularités, nombre de cymbales (très grand, ou minimaliste). Bref, leur choix ne pouvait se résumer en quelques mots.
Mais pourquoi tant de différences ?
Il est impossible d’avoir deux sets de cymbales parfaitement identiques, non seulement parce qu’il en existe beaucoup (regardez uniquement dans une seule marque de cymbale le nombre de séries et de modèles à l’intérieur de chaque série, il y a de quoi devenir dingue), mais aussi et surtout parce que la fabrication d’une cymbale dépend de l’alliage dans lequel elle est fabriquée. Et cet alliage varie fortement en fonction :
de la provenance des matériaux d’origine (pays, métal provenant de telle ou telle mine)
de la température de chauffe des métaux
de la qualité des matériaux de base qui varie en fonction des filons dans lesquels ils sont puisés, etc…
Ces matériaux sont généralement le bronze et l’étain .
